中国作品
1.《春江花月夜》（中国民族广播乐团演奏）
原是一首琵琶古曲，后被改编成民族管弦乐曲。描绘的是良辰美景、月夜春江的迷人景色。
《春江花月夜》是中国古典音乐名曲中的名曲，是中国古典音乐经典中的经典，是自然、历史、人生之千古绝唱。《春江花月夜》原名《琵琶古曲》又名《夕阳萧鼓》，1923年，上海“大同乐会”柳尧章、郑觐文根据汪庭昱的琵琶独奏谱《浔阳月夜》，把它改编成为多种民族乐器的合奏曲，曲名也更改为《春江花月夜》。《春江花月夜》中借用《琵琶行》中的“春江花朝秋月夜，往往取酒还独清”改名为“春江花月夜”，一直沿用至今。
2.《彩云追月》
这是一首合唱作品，原为民乐曲，它以富有民族色彩的五声性旋律，形象地描绘了浩瀚夜空的迷人景色。《彩云追月》，从曲名看，音乐为我们描绘了一幅怎样的夜空画面呢？
《彩云追月》是一首创作于1935年的民族管弦乐曲。1932年，任光在上海百代唱片公司任节目部主任时，同聂耳一起，为百代国乐队定了一批民族管弦乐曲并灌制唱片，《彩云追月》就是其中的一首。1960年，。乐曲以具有民族色彩的五声性旋律，上五度的自由模进，笛子、二胡的轮番演奏，弹拨乐器的轻快节奏，低音乐器的拨弦和吊钹的空旷音色，形象地描绘了浩瀚夜空的迷人景色。曲调悠扬而抒情。
《彩云追月》不断流变，从民乐合奏到无伴奏合唱。之所以一直受到人们的喜爱，并广泛流传，最重要的原因是不论在原创曲还是改编曲中，都充满着中国民族音乐所特有的艺术神韵，并适应新时代的审美要求，表现出新的发展与变化。当代“解释学之父”德国哲学家伽达默尔认为“历史作为理解的对象，并不具有一个绝对的永恒不变的本质。相反地，它的存在及其意义始终伴随着我们的理解而变化，被重构，持续地形成我们的传统。”
3.《新疆之春》
《新疆之春》为小提琴独奏曲，乐曲奔放流畅，具有鲜明的维吾尔民族音乐风格，生动表现了新疆人民欢欣、酣畅的生活情趣。
★这首乐曲的情绪是怎样的？
★B段的音乐采用的是新疆什么乐器的音乐素材？表现了什么样的音乐气氛？
4.《父亲写的散文诗》（李健）
这首歌是李健翻唱的，不论是许飞还是李健，他们都唱出了对父辈情愫的流露，唯一的区别是年代差异，但是主题内容的导向始终是定位在“父辈生活纪实”这个落脚点上。有人说，许飞原版和李健版最大的区别不是演唱，而是编曲色彩对听感环境的影响。
★编曲对一首歌曲的影响有多大，那么听听许飞原版和李健翻唱的版本吧。
5.《乡愁四韵》（罗大佑）
罗大佑的谱曲可谓与原诗相得益彰，其实当时改编成歌曲，并没有得到余光中老先生的赞同，但后来余光中接受采访说：“罗大佑给《乡愁四韵》谱了曲，别人问我‘经过你同意了吗’，我说‘没有’，但我觉得他谱的很好，我很赞同”。余光中用的是白话文，罗大佑用的是木吉他，都是现代化的东西，可都能让人深切的体会到中国的精神韵味。整个曲子，由简到繁、由清至杂、由缓到急、由静至激，一唱三叹，思如哽咽，忽如流水，千回百转。罗大佑高超的作曲、编曲、演唱水平乃至弹奏水平，在这首歌中都得到了完美的体现。
★据说，最早把“Rock”翻译成“摇滚”的人，便是写“乡愁是一湾浅浅的海峡”的那位诗人余光中。我们来听一听下面这段音频，感受余光中诗里的摇滚情吧。
1.《蓝色多瑙河》
这首著名的圆舞曲华丽、明快、活泼，反映了奥地利人民热爱生活、热爱故乡的深厚感情。
1866年奥地利帝国在普奥战争中惨败，首都维也纳的民众陷于沉闷的情绪之中。为了摆脱这种情绪，小约翰·施特劳斯接受委托，为他的合唱队创作一部“象征维也纳生命活力”的合唱曲。
遗憾的是，这首作品在首演时并没有取得成功。后来，小约翰·施特劳斯在维也纳郊区离多瑙河不远的布勒泰街五十四号居住时，把这部合唱曲改为了管弦乐曲，又增添了许多新的内容，并命名为“蓝色多瑙河圆舞曲”。
关于这部作品的创作还有一段故事：一次，小约翰·施特劳斯回家时换下一件脏衬衣，他的妻子发现衬衣的衣袖上写满了五线谱，知道这是丈夫灵感突现时记录下来的，便把这件衬衣放在一边。
就在她离开的几分钟内，这件衬衣不翼而飞了。原来，是洗衣妇把它连同其他脏衣服一起拿走了。她赶紧找到洗衣妇并拿回了那件脏衣服，挽救了衣袖上珍贵的乐谱。
这件衣服上记录的乐谱，就是著名的《蓝色多瑙河圆舞曲》，这个故事也给这部作品披上了一层戏剧性的色彩。
《蓝色多瑙河圆舞曲》的演出最终获得了极大的成功。仅仅几个月之后，就在美国公演。顷刻间，这首圆舞曲传遍了世界各大城市，直至今日，仍然深受世界人民的喜爱。
在每年1月1日举行的维也纳新年音乐会上，这首作品都会作为加演曲目的第二首来演奏。同时，指挥也会率领全体乐手为全世界的乐迷送上新年祝福。不过，祝福语在什么时候说，用什么语言说，每一年的指挥设计的都不一样，这也成为每年音乐会乐迷们最为期待的时刻之一。
2.《月光》
《月光》为钢琴独奏曲，是印象派鼻祖德彪西的作品，其意境可以当之无愧地称为“曲中有画，画中有曲”。
“印象派”一词，最早出现于19世纪后半叶欧洲的绘画领域。印象派绘画诞生后，其影响也扩展到了音乐界，法国作曲家德彪西便是第一个做尝试的人。如同莫奈一样，德彪西的音乐也充满着反叛精神。他在音乐学院求学期间常探索打破常规的作曲技法，在钢琴上连续弹奏一串串增和弦、九和弦、十一和弦以及全音阶。这使他经常受到教授们的批评，他们警惕他要注意“模糊的印象主义”倾向，但这一创作方式却成为了印象派音乐的开端，也成为音乐史上的重要转折点。
德彪西的创作题材摒弃了过去作曲家们所追求的深刻哲理性，他的创作灵感大多来源于自然。与印象派绘画一样，德彪西的音乐不着眼于旋律线条的刻画，而是侧重于描绘色彩和光影，他通过音色和音响的细微变幻和流动，来表现自然界中的光和色的变化。为达到这种音乐效果，他开创了许多独特的创作手法。例如：和声上，他打破了过去的大小调体系，使用全音阶、中古调式、五声调式等；配器上，增加了一些色彩性乐器的使用比重，如三角铁、竖琴等；钢琴作品的踏板使用上他也有所创新，根据音效的不同，使用半踏板、弱音踏板和浅踏板等。
3.《Main Kaun Hoon》（我是谁）
这是印度电影《神秘巨星》的主题曲，走心的歌词、优美的旋律，与感人的剧情相得益彰，唱出了每个追梦者的心声，令无数观众感动不已。
★可以观看影片，想想这首歌与电影“对味儿”了吗？
电影音乐营销并不是近几年的新发明。《射雕英雄传》《黄飞鸿》《喋血双雄》《新不了情》等香港影视剧的主题曲，几乎可以说是家喻户晓，老幼皆知。
《泰坦尼克号》的主题曲《我心永恒》也成经典之作。
电影主题曲会让听众对电影有一个直观的印象。歌手沙宝亮对《瞭望东方周刊》举例：“日本电影《追捕》，一听到它的音乐就会想起那些画面：高仓健骑上马走了。”
在周星驰电影《大话西游》的尾声，当画面上出现一片空茫的大漠，《一生所爱》随即响起。这首表达男人的成长和无奈的刻骨相思之情的歌曲，与电影珠联璧合，让二者的生命周期都变得更长。
恰当诠释影片内容和情感，被认为是一个好的电影音乐作品的首要条件。在沙宝亮看来，歌曲对影片情感诠释要“适合、对味、准确”，比如《古惑仔》的主题曲《友情岁月》与电影气质浑然一体。
“对味儿”，还意味着歌手、影片和音乐三者的完美契合。喜剧电影《煎饼侠》用相声演员岳云鹏和饶舌歌手MC Hotdog来演绎幽默吐槽的《五环之歌》，收到了意外的效果。沙宝亮开玩笑说：“我唱《五环之歌》就不适合，如果让我唱，人家会骂死我的。”
好的电影音乐还应具备传播性和传播度。不管由谁来唱，如何运作它，都要能足够聚焦，才能传唱。
音乐人在与电影人的合作中保持着自己对艺术的匠心和品质的坚守，在鱼龙混杂的电影滥觞中，维护着音乐作为艺术的尊严。何况，真正的好音乐，听者是不会太在乎它是什么电影的主题曲。
4.《memory》（芭芭拉•史翠珊演唱）
《memory》为音乐剧《猫》中的经典曲目。其旋律动人心魄，充满生命意蕴和哲理。
音乐剧《猫》
《猫》自从1981年推出之后，曾在全球150个城市、以14种不同的语言上演，观赏过的观众超过五千万人！一提起《猫》，相信马上联想起剧中最脍炙人口的一首歌曲——Memory，它在《猫》剧中一共出现了三次。
《猫Cats》的作者是安德鲁·莱·韦伯。他生于英国的音乐世家，祖父是优秀的男高音，父亲是英国伦敦音乐学校的校长、知名风琴演奏家，母亲是小提琴家，姨妈是剧院演员，弟弟是著名大提琴手……
韦伯从小受到音乐熏陶，7岁开始作曲，姨妈带领他进入剧院，令他从小就领略了舞台的魅力，11岁时韦伯用积木和纸板盖了一个玩具剧院，而他为这个玩具剧院谱写的作品，后来还曾用在音乐剧《爱的观点》中。
20世纪80年代后，安德鲁·莱·韦伯陆续写出了《猫》《星光列车》《歌剧魅影》《日落大道》《微风轻哨》等作品，其中《猫》是韦伯首次在没有与Tim Rice作的情况下写成的，Elaine Paige和Sarah Brightman都参加了演出，《猫》的首演即获得了成功，后来还成为英国、美国的常青音乐剧之首。
5.《Vois sur ton chemin》（眺望你的路途）
这是法国电影《放牛班的春天》的主题曲，是一部让人因为喜悦而泪流满面的电影。不仅创造了法国电影新概念——阳光情感电影，同时也让法国合唱事业如雨后春笋般地繁荣起来。
合唱，一种比独唱更有感染力的艺术表现形式。在音乐作品诠释与歌曲的二度创作上，合唱的艺术性都要“高于”独唱。这其中，合唱指挥又是整个合唱艺术的灵魂，他起到把控和驾驭音乐的作用。
一个优秀的指挥，在合唱音乐的处理上往往是非常独到的，他能够将情感多层次的表达出来，达到全方面的“立体”渲染效果。
我国著名合唱指挥大师吴灵芬曾说“指挥的任务是要通过合唱队员的合作对作品进行再创作，这其中包括对原作内容、音乐、曲式及结构进行分析；了解、（解剖）、研究产生美的元素，做到心中有数，在这个过程中将原作写的很好、很美的部分用声音完善的表述；原作不尽满意的部分通过二度创作用声音尽可能的弥补；作为一个人声创造者尽可能去揭示作品的内在之美; 当指挥率领合唱团站到舞台上时就是展示作品的美;品味高尚的作品对人心灵的陶冶是无法用说教代替的。”
戏曲与戏歌
1.《天上掉下个林妹妹》（钱惠丽 单仰萍演唱）
选自越剧《红楼梦》的著名唱段，讲述的是林黛玉与贾宝玉初次见面互表印象的精彩唱段。
2.《梨花颂》（李胜素 王泓翔演唱）
这是京剧《大唐贵妃》的主题曲，属于京歌。唱腔设计以京剧二黄调式为主调，加入了梅派唱腔特色，词曲典雅，委婉大气。
“梨园”这个词，很多人都耳熟能详。京剧界追根溯源就到了“梨园”这个地方，于是，就用了“梨园”的名称，世代相传，称戏曲界叫“梨园界”，这一行业叫“梨园行”。戏曲演员们为“梨园弟子”，而有几代人从事这个事业的家庭为“梨园世家”。
过去戏曲界大都是世代相传，子承父业。这样世世代代的传了下来。因为老祖宗曾是“梨园行”的艺人，因此，这个家族就被称其为“梨园世家”。
比如京剧界最负盛名的梅兰芳先生的家庭——梅家。第一代梅巧玲是唱旦角的，第二代梅竹芬也是唱旦角，梅兰芳的伯父梅雨田为琴师，到了第三代梅兰芳更是旦角里的名角，梅兰芳的儿子梅葆玖、女儿梅葆钥，前者唱旦角、后者唱老生。再举一例：梨园界有名的谭家。第一代谭志道是老旦，第二代谭鑫培唱老生，第三代谭小培唱老生，第四代谭富英也是唱老生，而第五代谭元寿则是文武老生，第六代谭孝增又是唱老生的。
像这样的例子在京剧界数不胜数，这些都是有名的“梨园世家”。至于“梨园”一词从何而来，得从过去戏班供奉的祖师爷唐明皇，也就是唐玄宗李隆基谈起。
据史载：“玄宗既知音律，又酷爱法曲，选坐部伎子弟三百人，教于梨园。声有误者，帝必觉而正之，号皇帝梨园弟子。”
李隆基年幼即喜爱歌舞。在六岁时，有一次他的祖母也就历史上有名的女皇帝武则天大摆盛宴款待群臣，李隆基即席秀了一段歌舞表演，博得在座群臣的赞赏!李隆基继位后，在公元七一四年大力提倡歌舞、戏曲，选定了“梨园”做为活动场所。“梨园”是当时唐朝离宫别殿里一个广植梨树的果木园，是供帝后、皇亲国戚们饮宴、游戏的地方。李隆基自选乐师与宫女，集中在“梨园”学习歌舞戏曲，自己培训演员，遇有不到之处，亲加指正。他所成立的这个歌舞戏曲班子，可以说是历史上第一所规模宏大的国立戏曲学校。因为第一个戏曲班子建立在梨树果园中，所以后世戏曲演员就被称为“梨园行”。
（文稿编撰|钱瑞华）
（版面编辑|谷小燕）
